The Future Pefect（完美艺术画廊），是全球最重要的当代设计画廊之一，从事艺术设计和装饰等极具创造力的工作，由David Alhadeff于2003年创立，目前在纽约、旧金山、洛杉矶等地开设有工作室。

 

这是一个混合空间，艺术家们可以平等地使用，其概念化部分，可以是商店或画廊，也可以是年轻设计师与艺术家的孵化器。2020疫情前期，画廊策划了一场主题为“杂乱”（MESS）的联展，受疫情影响，从装饰性花瓶到功用性桌椅，从抽象形态到物化设计，粘土在32位陶艺家指间被塑造成洒脱的工艺产品。

 

 

为何用“杂乱”去形容当代陶艺？其实，所谓的“乱”是来自艺术家自由的个性和即兴而为的创作过程。

 

就像凯蒂·金梅尔（Katie Kimmel）的“狗狗”系列，灵感来自他在公园遛狗度过的美好时光。从贵宾犬到达尔马提亚，再到拉布拉多，狗狗形状陶瓷似乎在吸引观众“过来和我们一起玩耍吧！”

 

詹姆斯·里格勒作品

 

旅居英国的新西兰陶艺家詹姆斯·里格勒（James Rigler）的作品，让人难以相信它们的材质是陶瓷。仙人掌、偶像和蛇等卡通形象陶瓷，受建筑装饰语言启发。詹姆斯将作品描述为“被荒废的古迹，浪漫的风景和舞台布置所吸引的作品”。有着强烈的史诗般的气场，在跳脱物件的原始背景后而重获新生。

 

现代艺术家激进的思维也是一种“乱”，奥德·范·雷恩（Aude Van Ryn）在世界各地旅行时萌生了很多感受，她的作品大量运用人、动植物和建筑元素，它们的“胳膊”和 “腿”比例都各不相同。

 

左图：奥德·范·雷恩“泰勒姆”（Tellem）系列

中图：本·梅丹斯基墙饰系列-显微镜观看

右图：埃里克·罗涅斯塔德“高地公园”系列9

 

奥德·范·雷恩的“泰勒姆”（Tellem）系列取材于非洲马里十三世纪时期悬崖上高大的部落圆锥形建筑。既充满异国风情，又给人熟悉感。它们的作用虽不明确，但观者无需接受过多引导，就会被这些陶瓷作品迷住。

 

雕塑家本·梅丹斯基（Ben Medansky）以红色粘土为原料的墙饰系列“透过显微镜观看”也拥有同样的特质，灵感来自陶艺师祖父的自传。本的祖父曾在二战期间担任实验室技术员，发现了DNA双螺旋结构，这启发了本，他开始想象通过显微镜凝视培养皿的感觉，而红土融合了自然与人，有一种“易碎”的美感。

 

杰里米·安德森“Piccolos”容器系列

 

Apparatus工作室创始人之一的杰里米·安德森（Jeremy Anderson），他创作的 容器系列Piccolos和埃里克·罗涅斯塔德（Eric Roinestad）高地公园系列，都具有拟人化个性。杰里米想表达的是让有机形式由底部开始“成长”，通过圆形小开口展现每个角色的个性，手绘线条从开口处放射而出， 沿着陶器的轮廓催生出变化多端的图案。

 

而埃里克的灵感来自古希腊，“我想模糊古代和现代之间的界限，这些形式看起来很熟悉，但是非常当代。”所以他从包豪斯先驱奥斯卡·施勒默创造的绝妙形态中提取元素，借鉴意大利建筑师卡洛·斯卡帕（Carlo Scarpa）和托马索·巴齐（Tomaso Buzzi）的思维，组合成一件件独一无二的白色泥釉容器。

 

 

无论花瓶、雕塑，还是人体，这都取决于观者的思维。

 

韩国艺术家朴钟进（Jongjin Park）的“Artistic Stratum”系列是在攻读陶瓷艺术博士学位期间创作的。当初他是为了探索纸张和陶土的关系，将生活中常用的纸巾与泥浆融合，反复堆叠，形成各种造型之后再烧成。

 

为实践这一探索，他花了四年时间。“陶土是环保、廉价且具有触感的原料。但由于烧制有一定的限制，只能实现特定的形式和比例。所以必须掌握粘土与釉料之间细微的差别，观察其不同的变化及反应。这些局限性也成为了创作的动机。挑战这些规则能使我更自由地创作。” 

 

凯蒂·金梅尔的“狗狗”系列

 

朴钟进“Artistic Stratum”系列

 

评论家、《新陶艺》（New Wave Clay）作者汤姆·莫里斯（Tom Morris）在书中所说的，新陶艺模糊了艺术、设计和工艺之间的界限。我认为它们是一种代入性作品，能打开人们的思维，拥有收藏和投资的价值。作为辅助元素，它们也有一定的功能性。而‘MESS’展览打破了入门的门 槛。”